藝術與首飾的故事【第二十六集】

首飾作為藝術的分支

與藝術有著千絲萬縷的聯系

想要更好的理解當代首飾

就不得不先了解當代藝術

而想要看懂當代藝術

就得先大概知道藝術的發展歷程

所以藝術史看似與當代首飾毫無關聯

但事實上它們密不可分

《藝術的故事》

《現代藝術150年》

“藝術與首飾的故事”微信連續劇后半段

將引用《藝術的故事》以及

《現代藝術150年》作為基礎

再加上筆者對于西方首飾史的整合

希望與大家分享連貫清晰且生動有趣的內容

感謝《藝術的故事》的作者E. H. Gombrich

以及中文版翻譯者范景中和校對人楊成凱

還有《現代藝術150年》的作者Will Gompertz

以及中文版翻譯者王爍和王同樂

對藝術史感興趣的觀眾可閱讀原著

部分圖片和文字來源于網絡僅供參考

建議藝術愛好者前往美術館觀賞原作

26.波普&歐普&動態藝術

1956-1970

1947年23歲的意大利-蘇格蘭藝術家愛德華多·保羅齊

創作出下圖的拼貼畫《我是一個有錢人的玩物》，

他從時尚雜志上剪下各種圖像粘貼到卡片上，

其中有1940年代的性感女郎、櫻桃派、橙汁品牌、

飛機、可口可樂、英文單詞、手槍等各種元素，

看上去粗俗凌亂，飽含對于美國文化的迷戀。

手槍射出的白色煙霧上寫有鮮紅的POP字樣，

這便是波普藝術（Pop Art）的第一個樣本。

Sir Eduardo Paolozzi

I was a Rich Man’s Plaything

Printed papers on card

1947

英國藝術家理查德·漢密爾頓是保羅齊的朋友，

也是英國“獨立團體”的成員之一，

如今被稱作“英國波普藝術之父”，

下圖《是什么讓今天的家庭如此不同、如此富有魅力？》

是他早期的拼貼畫作品之一。

同樣是將雜志上的圖像剪下貼在卡片上，

畫面中間男人手中的棒棒糖上同樣寫有POP字樣，

但是內容不同于保羅齊的流行文化，

他試圖向觀眾展示一個“未來的客廳”，

里面充滿了現代化產品和富有情趣的生活景象。

當時的社會對充滿高科技的未來抱持樂觀態度，

人們可以盡情享受現代產品帶來的便利生活，

不再艱苦奮斗，只管輕松消遣。

1957年，漢密爾頓將流行文化定義為：

為大眾設計的短暫、可消耗、低成本、批量生產、

年輕、詼諧、性感、具有噱頭和刺激性的大事件。

波普藝術不只是愚蠢膚淺的藝術商品，

還是具有高度政治意味的藝術運動。

Richard Hamilton

Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?

Collage

1956

美國藝術家賈斯培·瓊斯也有類似的想法。

下圖是瓊斯的早期繪畫《旗》，

乍一看是普通的美國星條旗，

但它實際上是一個圖層的拼綴物。

藝術家在廢報紙和畫布制成的膠合板上

將融化的蠟與顏料混合繪制，

賦予畫面起伏不平的表面效果。

如此一幅帶有達達主義意味的畫，

讓人不禁生疑自己到底是在看一面旗還是一幅畫？

這幅畫能不能成為美國的象征？

Jasper Johns

Flag

Encaustic painting

1954-1955

美國藝術家羅伯特·勞申伯格

和瓊斯一樣喜歡選擇日常的題材，

使用人們視而不見的平凡之物

以及美國消費主義的邊角料，

用被人遺棄的商品來創作藝術。

下圖的《字母組合》便是一件

“將藝術與生活合二為一”的作品，

藝術家把街道當作調色盤，

把工作室的地面當作畫架，

將搜集來的廢品和各種物件鋪展成一件藝術品：

裝有滾輪的方形木質平臺上

放著套有舊汽車輪胎的安哥拉山羊，

山羊的臉上被涂上了各種色彩，

木板上還有用過的紙張和畫布、一個網球、

一只塑料鞋跟、一件襯衣袖子和一幅走鋼絲人的繪畫。

這是一件“難看”、有趣卻又令人困惑的作品，

其中暗藏著各種象征和軼事供人猜測。

Robert Rauschenberg

Monogram Combine

Oil, paper, fabric, printed paper, printed reproductions, metal, wood, rubber shoe heel, and tennis ball on canvas, with oil and rubber tire on Angora goat on wood platform mounted on four casters

1955-1959

羅伯特·勞申伯格曾在美國黑山學院就讀，

那是當時世界上最前衛的藝術院校之一。

1948年夏天著名的荷蘭籍美國藝術家威廉·德·庫寧

在約瑟夫·阿爾伯斯的邀請下前往黑山學院教授繪畫。

1953年，年輕的美國藝術家勞申伯格

前往世界著名藝術家威廉·德·庫寧的工作室，

希望德·庫寧能給自己一張他的畫，

好讓勞申伯格用橡皮擦掉這幅畫。

德·庫寧選了一小張他用蠟筆、鉛筆和炭筆

畫在紙上的作品，上面還有些許油彩的痕跡。

勞申伯格花費一個月的時間用橡皮擦除德·庫寧的痕跡，

并將其命名為下圖《擦除的德·庫寧繪畫》，

這幅畫也被視為是行為藝術的早期作品之一。

Robert Rauschenberg

Erased de Kooning Drawing

1953

1951年勞申伯格創作的下圖《白色繪畫》

成為了極簡藝術的先驅，

并促使他的朋友約翰·凱奇（John Cage）

創作出著名的《4’33”》：4分33秒的無聲體驗。

它與《白色繪畫》有諸多異曲同工之處，

白色畫布上的灰塵、光線與觀者的身影

就如演奏無聲音樂時周圍嘈雜的環境一樣，

它們成為了事件和偶然所激發的藝術的載體。

重要的不是作品本身，

而是存在于作品周圍，

那些被人忽視的時間和空間，視覺與聽覺。

Robert Rauschenberg

White Painting [three panel]

Latex paint on canvas

1951

當時已經小有名氣的美國時尚插畫家

安迪·沃霍爾也想成為一名藝術家，

他曾嘗試過許多流行文化題材，

但都沒能找到自己的風格。

直到1962年他創作出下圖32幅《金寶湯罐頭》，

并在歐文·布魯姆位于洛杉磯的費魯斯畫廊展出。

雖然這32張畫看起來幾乎一摸一樣，

但事實上每一個都各不相同，

每個罐頭上的風味標簽和筆觸都有細微的差異，

藝術家將自己隱藏在看似重復的圖像中，

正如每個罐頭背后被忽視的人工生產力。

這件作品不僅讓安迪·沃霍爾成為一名藝術家，

還確立了波普藝術的基本特征：

對于大規模生產和消費文化的癡迷。

Andy Warhol

Campbell's Soup Cans

Acrylic with metallic enamel paint on canvas, 32 panels

1962

著名的好萊塢女明星瑪麗蓮夢露

于1962年8月死于用藥過量，

幾周后安迪·沃霍爾創作出下圖《瑪麗蓮雙聯畫》，

圖片出自她為電影《尼亞加拉》拍攝的宣傳照。

安迪·沃霍爾首次將絲網印刷

這一商業印刷技術引入藝術創作，

他將圖片轉印、復制，

得到一張又一張相同的圖像，

但每次都會有些微的不同，

他認為這一不斷重復的過程簡單且充滿偶然性。

左邊的五彩斑斕與右邊的黑白漸變形成鮮明對比，

那些常用于商業領域的花哨且明亮的色彩

既是對于美國消費主義視覺語言的模仿，

又是當時流行文化和大眾審美的體現。

藝術家利用故去明星的名聲以及公眾緬懷的溫情

將瑪麗蓮夢露和她的逝去變成商品。

在這個貪婪而癡迷名聲的世界中，

當藝術品成為具有社會聲望的品牌產品

且具有相當可觀的經濟效益，

那么藝術與商品的邊界也就隨之消失。

安迪·沃霍爾將自己變成一個品牌，

他說：“好生意是最好的藝術。”

Andy Warhol

Marilyn Diptych

Silkscreen ink and acrylic paint on 2 canvases

1962

美國藝術家羅伊·利希滕斯坦學過藝術也教過藝術，

但始終沒能找到自己的藝術風格。

1961年他無意中看到了卡通漫畫，

于是他找出漫畫中的戲劇性場景，

用更大的規格把它再畫一遍，

做一些結構上的調整，然后上色，

創作出放大數百倍的“漫畫”。

1960年代，彩色漫畫使用名為

“本戴制版法”（Ben Day Dots）的印刷術，

它與喬治·修拉的點彩畫基于同樣的原則：

將彩點施于白色表面，

并在點的周圍留出空間，

人眼會自動將相鄰的彩點混合。

由于不用在整張紙上印滿油墨，

可以節省許多成本。

利希滕斯坦復制了這一方式，

將其用于自己的創作中，

并就此發展出了獨特的個人風格，

下圖利希滕斯坦創作的《嘭！》一出現便廣受歡迎，

收藏家們爭相購買他的藝術作品（超然的商品）。

Roy Lichtenstein

Whaam!

Acrylic paint and oil paint on canvas

1963

瑞典籍美國藝術家克拉斯·歐登伯格

使用更為極端的方式打破藝術與商業的界限。

1961年他在紐約開設了一間“商店”，

里面有帽子、香煙、內衣、襯衫、蛋糕等

各種可以從零售店里購買的商品。

它們都由鐵絲、石膏、棉布和油漆制成，

不能吃，不能穿，不能用，

只能像雕塑一樣供人觀賞。

這些“無用的商品”懸掛在天花板上，

一件“衣服”賣價300多美元，

一個“蛋糕”賣價100多美元。

眾多美術館館長、收藏家和藝術家前來參觀，

并爭相購買這些“便宜的藝術品”，

這也間接證明了歐登伯格的成功。

Claes Oldenburg

The Store

1961

Claes Oldenburg

Pastry Case, I

Painted plaster sculptures on ceramic plates, metal platter, and cups in glass-and-metal case

1961–62

上圖那些看上去美味的食物其實是陶瓷做成的雕塑，

人們花費大量時間生產瞬間就被消費殆盡的商品，

藝術家在抨擊消費主義的同時

卻也放大了它所具有的吸引力。

當無止境的欲望披上消費主義的糖衣，

一切瘋狂的行為不過是一場荒誕的幻覺，

而說到幻覺就不得不介紹當時同樣著名的“歐普藝術”。

Julian Stanczak

Passing Contour

Painting

1962

歐普藝術（Op art）也稱“視幻藝術”，

是Optical art（光學藝術）的縮寫，

《時代》雜志在1964年提出“op art”一詞。

歐普藝術既源于運動的視錯覺，

也源于色彩關系的相互作用，

甚至與格式塔理論等心理學和生理學研究相關。

上圖朱利安·施坦查克的《短暫的輪廓》

使用明亮的色彩和疏密有致的線條，

形成強烈的視覺顫動和亢奮效果。

Victor Vasarely

Zebra

Painting

1937

早在“op art”一詞出現以前

就已經出現了許多類似風格的作品，

上圖維克多·瓦薩里利的畫作《斑馬》便是其中之一。

兩匹斑馬在黑色的背景上纏繞重疊，

高對比度的黑白條紋讓人產生運動的錯覺，

使它們既融于背景中，又能從中跳脫。

雖然當時許多批評家駁斥歐普藝術，

認為這些不過是愚弄人眼的低級招數，

但歐普藝術卻成功收獲了公眾的喜愛，

并在許多商業環境中受到青睞。

Josef Albers

Shrine from the series Graphic Tectonic

Lithograph

1942

Anni Albers

With verticals

Cotton and silk tapestry

c. 1946

德國包豪斯學院很早就開始進行視覺藝術的大膽嘗試，

1933年在納粹壓迫下包豪斯被迫關閉，

許多講師逃往美國。

約瑟夫·阿爾伯斯和他的妻子安妮也是其中一員，

他們在美國的黑山學院任教。

上圖左是約瑟夫·阿爾伯斯的石版畫作品，

重復交錯的方形輪廓與部分加粗的線條，

賦予二維畫面視覺上的景深和立體感。

上圖右是安妮·阿爾伯斯創作的掛毯，

淺紅色棉布上長短不一的深紅色絲綢垂直線段，

如樂曲般富有韻律和節奏感。

1950年，約瑟夫·阿爾伯斯離開黑山學院，

前往耶魯大學擔任設計系主任，

朱利安·施坦查克也曾跟隨他學習色彩理論和幾何學。

Franco Grignani

The Woolmark Logo

1963

1963年The Woolmark Company發起一場設計競賽，

要求參賽者為他們設計出全新的LOGO。

上圖意大利藝術家Franco Grignani的設計圖被選用，

簡約的循環條紋象征著羊毛特有的柔韌質感。

該設計讓藝術家聲名鵲起的同時，

也讓羊毛這一材質得到更多人的關注，

成為更加天然和現代的衣物纖維選擇。

Bridget Riley

Movement in Squares

Tempera on hardboard

1961

與歐普藝術并駕齊驅的動態藝術（Kinetic art）

是一種依靠運動產生獨特效果的藝術，

兩種藝術風格之間雖有重疊，但是尚有區別。

藝術家用各種方式讓原本靜止的藝術變得可動，

將時間元素引入其中，

以此來探索運動的可能性和視覺的本質，

這也體現了20世紀科技的快速發展對于藝術的影響。

上圖英國藝術家布里奇特·萊莉創作的《方格運動》

由十二行交替的黑白正方形組成，

它們的高度一致，寬度逐漸變小，

在視覺上形成了某種向下凹陷的擠壓感，

從而在平面的靜態畫面上達到三維動感的效果。

Alexander Calder

Antennae with Red and Blue Dots 

Aluminium and steel wire

c.1953 

除了因視錯覺而產生動態的圖像，

動態藝術還包括作品自身會動的裝置。

上圖是美國藝術家亞歷山大·卡爾德的“懸掛雕塑”

《帶有紅色和藍色圓點的天線》，

其中線性的材質為鋼絲，

塊面的材質為噴漆鋁板，

兩者相互連接構成的微妙平衡

讓該裝置可以隨著氣流運動。

卡爾德曾學習機械工程專業，

他曾用木頭和金屬絲制作了一整套可動的裝置：

太陽馬戲團（Cirque Calder），

他的跨領域創作還包含首飾、舞臺布景和服裝等。

1930年代初期，他將金屬絲錘打至扁平再繞成螺旋狀，

以此為基礎創作出具有強烈個人風格的首飾作品，

其中有許多被記錄在《Calder Jewelry》一書中。

2016年位于倫敦的Louisa Guinness畫廊

舉辦了卡爾德的首飾展“The Boldness of Calder”，

下圖是部分參展作品的拍攝圖片，

其中簡約的設計和巧妙的構思仍舊歷久彌新。

Alexander English shoots Calder jewelry for Louisa Guinness Gallery and Alexander Calder

Photo courtesy Alexander English, Louisa Guinness Gallery and Calder Foundation and Jewel courtesy of Louisa Guinness Gallery

除了隨著氣流運動的“懸掛雕塑”，

還有更為復雜的機械雕塑。

俄羅斯藝術家納烏姆·加博是20世紀動力學藝術先驅，

下圖是他創作的《動能構造》：

黑色木質底座上有一根不銹鋼棒（下圖左），

按下按鈕后機器開始運轉，

底座隱藏的電動機引起快速振蕩，

形成視覺扭曲的透明三維形狀（下圖右），

藝術家將其命名為“駐波”（Standing Wave）。

Naum Gabo

Kinetic Construction (Standing Wave)

Metal, wood and electric motor

1919–20, replica 1985

隨著時間的推移和科技的進步

動態藝術的形態也在不斷改變，

從19世紀后期印象派追求的畫布上人物的運動性，

到藝術家靠自身運動創作的“行動繪畫”，

到視錯覺產生的動態圖像，

到“懸掛雕塑”和“機械雕塑”，

到“沉浸式、互動型裝置”等等，

動態藝術的形態越來越多，

離我們的生活也越來越近。

Wordmark of Tiffany & Co. Designed exclusively for Tiffany & Co., the lettering is not part of any commercially available typeface.

Tiffany由Charles Lewis Tiffany和John B. Young

于1837年在美國康涅狄格州布魯克林成立，

原本是一家出售文具和高檔商品的商店。

1838年開始在曼哈頓下城百老匯259號

以“Tiffany, Young and Ellis”的名字經營，

1853年，Charles Tiffany接管公司

將公司名稱改為Tiffany＆Company，

并確立珠寶首飾作為重要產品。

Tiffany & Company

Union Square

Storage area with porcelain

c. 1887

1867年，Tiffany成為巴黎世界博覽會上

第一家獲得銀器卓越獎的美國公司。

1868年，Tiffany正式成立。

1878年，Tiffany在巴黎博覽會

獲得珠寶金質獎章和銀器大獎。 

The Tiffany Yellow Diamond

A 128-carat stone cut in a modified cushion-shape featuring 90 facets instead of the 57 or 58 of a standard brilliant cut.

The stone, discovered in 1878

1879年，Tiffany購買了世界上最大的黃色鉆石之一，

并將其命名為Tiffany Diamond（上圖）。

1902年，Charles Lewis Tiffany逝世后，

他的兒子Louis Comfort Tiffany

成為公司的第一位正式設計總監。

A very Warhol Christmas … 

A Tiffany box of lithographed cards from 1960. 

Photograph: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./VEGAP, Málaga, 2018

第一個Tiffany郵購目錄被稱為“藍皮書”，

于1845年在美國出版，

該目錄直至21世紀仍在繼續出版。

1956年，傳奇設計師Jean Schlumberger加入Tiffany，

Andy Warhol與Tiffany合作制作上圖的節日賀卡。

1998年，Tiffany＆Co.將綠松石品牌顏色注冊為商標。

Tiffany Keys

圖片來源于品牌官網

2009年，推出Tiffany Keys系列。

“象征美好生活，

表達獨立、力量與樂觀，

注重細節的制作，

釋放新的可能性。”

Tiffany T

圖片來源于品牌官網

Francesca Amfitheatrof設計的

Tiffany T系列于2014年首次亮相。

“受到字母T簡潔線條的啟發，

代表所有形式之間相互關聯。

是具有強大力量的護身符，

也是獨特風格的個性化表達。”

Tiffany HardWear

圖片來源于品牌官網

2017年4月，Tiffany推出Tiffany HardWear系列。

該系列結合金屬的工業形態與珍珠的自然有機，

大膽運用張力、比例和平衡的力量，

將不同的材質融入獨特的設計中。

2017年7月，寶格麗資深人士Alessandro Bogliolo

接任首席執行官。

希望借此扭轉銷售下滑的局面，

吸引更多年輕客戶。

Tiffany Paper Flowers®

圖片來源于品牌官網

2018年5月，Tiffany推出Reed Krakoff設計的紙花系列。

該系列試圖重新詮釋傳統首飾題材，

賦予花卉造型全新的想象力與生命力，

鑲嵌明亮式切割鉆石和彩色寶石，

小巧精致且富有動感。

2019年11月，LVMH宣布以162億美元收購Tiffany＆Co.

該交易預計于2020年6月完成，但直至9月仍未完成，

Tiffany＆Co.對此提起訴訟。

2020年10月下旬，LVMH同意減價收購。

2021年1月7日，Tiffany發布公告稱LVMH已完成收購，

交易價格由每股135美元調整至131.5美元/股，

交易總價降至158億美元。

波普藝術營造消費的幻覺

歐普藝術營造視覺的幻覺

動態藝術營造運動的幻覺

Tiffany（LVMH）營造奢侈品的幻覺

隨著人類的發展與科技的進步

更多幻覺在現實生活中涌現

等待更多人的關注和發現

下集預告：

觀念藝術&激流派&貧窮藝術&行為藝術